17/06/2021 12:44 - Arte abstracto

“Tamgù”: el corto experimental argentino sobre danza y feminismo que compite en Annecy

Luis Paris, uno de los directores de la obra que compite en el festival de animación más importante del mundo, afirma que la danza "es una manera alegre y activa de resistencia".


Producción: Hugo Sánchez y Tomás Eliaschev

“Tamgù“, coproducción argentino francesa, compite en Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy

En la competencia oficial de la edición 2021 del Festival Internacional de Animación de Annecy, que culmina este sábado, la Argentina está presente con tres obras. Una de ellas, es la coproducción independiente franco argentina “Tamgù”, que compite en la sección de Cortometrajes, dirigida por Luis Paris e Isabel Loyer.

“Tamgù es una danza salvaje para liberarse de telas o ideas que nos encierra y nos atan, liberarse de los mandatos sociales que de alguna manera nos limitan la manera de pensar la realidad”, explicó Paris a Télam respecto a la palabra de origen africano de la que proviene el término “tango”, probablemente originario del idioma Ibibio, con el que titularon el corto. Se trata de una obra experimental que resalta la importancia del movimiento del cuerpo y del feminismo.

"La Bailarina" (1918), un cuadro de Gustav Klimt, uno de los pintores de referencia para Luis Paris.
"La Bailarina" (1918), un cuadro de Gustav Klimt, uno de los pintores de referencia para Luis Paris.

-Luis, ¿por qué la danza como elemento de liberación?

-La idea original surge de un libro dibujado por Isabel Loyer -nacida en Francia-, con quien hicimos el corto. Ella ya planteaba el tema de la danza. La danza es muy importante en el sentido de que genera movimiento, es una manera alegre o activa de resistencia. Nosotros nos encontramos con el propio cuerpo y nos conectamos con otra fuerza. En muchas culturas forma parte de los rituales. Realmente podemos alcanzar esta sensación de libertad. Es todo lo contrario a quedarse quieto, actitud en la cual uno empieza a sentirse encerrado.

-Al ver la temática que proponen, inmediatamente surge el tema del encierro actual.

-Claro. En verdad en 2019 empezamos a hacer la primera parte, más de producción. Fue una rotoscopia, implicaba ir al estudio, con una bailarina. Después vino toda la segunda, mucho más meticulosa donde encontramos el clima. Fue una etapa de mucho trabajo, justamente durante el inicio de la pandemia, que fue lo más duro. Sin embargo sirvió ya que era un proceso más introspectivo, pudimos trabajar bien para encontrar los colores y las formas que pudieran transmitir esto. Sin haberlo pensado, el encierro tiene que ver. No es solamente un movimiento físico. Es el encierro en todas las ideas que circulan alrededor nuestro, en la velocidad de la vida que llevamos.

"Moa" (1911), de Egon Schiele.
"Moa" (1911), de Egon Schiele.

-Para el que no conoce de animación, ¿qué es la rotoscopia?

-La rotoscopia consiste en grabar un video de referencia, en este caso, con una bailarina, Abril Ferrari. Dibujamos arriba de ese video y queda esa ilusión de animación. Es un método muy viejo, se contrapone con un método que es puro dibujo. Da otra sensación. Tanto Isabel como yo venimos de las artes plásticas y de la animación gráfica, no tanto de la creación de personajes. Nos gusta mucho el dibujo de la figura humana. Usamos también animación en dos dimensiones (2D) y en tres dimensiones (3D), que utilizan diferente software digital.

Por lo general hay especialistas en animación, en rotoscopia, en 2D y 3D y alguien que los reune. En este caso es diferente, algunas tomas arrancamos en 3D, agregamos la bailarinas, arrancamos con la rotoscopia y luego agregamos el 3D. Son diferentes maneras de trabajar, alejados de la producción comercial. Nos interesa experimentar. Y fue un placer hacerlo.

-¿Cuál fue el rol de la bailarina en la producción?

-Abril se identificó enseguida con la temática de este corto. Nos encantó cómo puso su cuerpo en esta causa y cómo interpretó desde el movimiento lo que queríamos contar, que tiene que ver con esta inquividetud muy actual del feminismo. Yo lo interpreto así. Me identifico con esa necesidad de liberación, nos toca a todas las personas dentro de los distintos roles que ocupamos en esta sociedad. Sin duda, ahora está muy vigente y se está haciendo cada vez más evidente a los ojos de todos la situación desigual respecto a las mujeres. Viene muy del lado de Isabel y Abril ,que pusieron mucho en el corto. 

"Bailarinas de ballet" (1885), de Henri de Toulouse-Lautrec.
"Bailarinas de ballet" (1885), de Henri de Toulouse-Lautrec.

-¿Qué referencias a otras obras se pueden percibir en el corto?

-De algunas películas muy conocidas, como "Las Trillizas de Belleville” o “El ilusionista”, de Sylvain Chomet, en la forma de interpretar el guión desde el color. Norman McLaren, referente y uno de los fundadores del arte abstracto, también está presente.

"Pas de Deux", un de las obras fundamentales del escocés canadiense Norman McLaren, referente de varias generaciones.


"El Ilusionista", de Sylvain Chomet, una película que influenció a muchos creadores.


-¿Y por el lado de la pintura?

-Vengo más por el lado del diseño gráfico que de lo audiovisual. Pero tengo como referencia a Alberto Breccia, a (Henri de) Toulouse Lautrec, en el sentido del dibujo de la mujer y en cómo pasa del dibujo a la pintura. Podría mencionar también a (Egon) Schiele y (Gustav) Klimt, dos pintores y dibujantes muy asociados al cuerpo y la figura femenina.

"Tintin y la Reina del Tango" (1987), de Alberto Breccia.
"Tintin y la Reina del Tango" (1987), de Alberto Breccia.


-¿Cómo es hacer cine experimental en la Argentina?

-Es un camino alternativo, por lo general, al de la historia más convencional. Doy clases en Artes Multimediales en la UNA (Universidad Nacional de Arte). Se experimenta mucho con otro tipo de relatos abstractos, otra manera de expresar ideas. Me encanta este mundo, entiendo que no es masivo pero puede ser más poético que el guión o los personajes tradicionales. La experimentación suele estar más ligada a otros formatos como las performances, pero no tanto a los cortos o películas.

-¿Qué significa estar participando en Annecy?

-Para mi es importantísimo. Sabemos que es el festival más importante de animación, que es muy difícil llegar ahí y que es algo muy bueno intentarlo. Además implica que a nuestro corto lo vea más gente y la posibilidad de compartir nuestro trabajo con más personas. Venimos trabajando hace mucho, es lo que no podemos dejar de hacer. Y que llegue un reconocimiento y que alguien vea lo tuyo, es lo más lindo.

Luis Paris citó entre sus influencias a Klimt, Schiele, Touluse-Lautrec, Breccia, Mc Laren y Chomet.
Luis Paris citó entre sus influencias a Klimt, Schiele, Touluse-Lautrec, Breccia, Mc Laren y Chomet.